新宿の

ファゴット教室

うまく弾くというよりかは、本番で止まらず余裕をもって楽しんで弾けることを重視します。また、曲をなるべく早く決めて、全体を把握することから始めます。ライブでは止まらない力が大切なので、レッスンではミスしても弾き続ける通し練習をし、カウントの取り方、入りの合図などもメトロノームを使い、テンポ感に慣れていただきます。可能であれば、他パートの音源を聴きながら練習ができると良いと思います。

EYSのバイオリンレッスンでは、クラシックが初めての方でも安心して始められるよう、堅苦しさはなく、音を出して楽しむところから進めます。構え方や弓の使い方を一つずつ確認しながら、無理のないペースでレッスンします。楽譜が読めなくても問題ありません。「弾けた」「音がきれいになった」というような実感を大切に、ご自身のペースで楽しみましょう。

個人練習だけでなく「誰かと合わせる楽しさ」を大切にしたレッスンを行います。始めから完璧に弾けなくても大丈夫です。タイミングや呼吸、音量のバランスなど、合わせるためのポイントを中心にレッスンをしていきます。私とのデュオや、伴奏音源などを使用しながら、アンサンブルならではの音楽の広がりを感じていただければ幸いです。

一つ上のレベルに進みたい方には、今できていることを土台にしながら、音の質や安定感を少しずつ高めていくレッスンを行います。苦手な部分をやみくもに直すのではなく、ポイントを絞って練習方法まで具体的にお伝えします。「何を意識すれば変わるのか」がわかることで、練習の手ごたえを感じながらステップアップしていけるような内容を用意します。

ポップスをやってみたい方には、楽譜通りに弾くことよりも、リズムやノリ、雰囲気を大切にしたレッスンを行います。シンプルなフレーズや知っている曲から始めて、原曲や伴奏音源に合わせながら進めるので、初めてでも安心です。クラシック経験の有無にかかわらず、バイオリンでポップスを楽しめる感覚を身につけていきましょう。

独奏を始めてみたい方には、一人で弾く楽しさと達成感を味わえるレッスンを行います。表現のつけ方やフレーズの作り方など、ソロならではのポイントをわかりやすく整理しながら進めます。難しい曲でも、一つひとつのテクニックや課題をクリアし、着実に弾ける実感を高められます。ぜひご自身の弾きたいソロ曲を一緒にがんばりましょう。

ライブには、緊張やプレッシャーを感じながらでも、自分のペースを崩さずにパフォーマンスができるようなメンタルが必要と考えます。このような状態に持っていくには自信をつけさせるのが大切で、そのためにはパフォーマンスの問題点や欠点を指摘するよりも、どうしたら良くなるかをできる限り提案します。それを試してもらい、少しでも効果が出てきたら褒め、自分はできるという気持ちを持たせるようにしています。

クラシック音楽にもバロック、古典派、ロマン派、近代、現代など、時代による多様性があります。また、作曲家の国籍によってもいろいろな特徴があるので、普段からいろいろな音楽を聴くことを勧めます。本人が気に入った曲や演奏してみたい曲が見つかれば、レベルを考慮したうえでレッスンに取り入れていくようにしたいと思います。

アンサンブルをするためには、周りや相手の音を聴きながら演奏することが必要です。そのため、普段のレッスンでも二人ほどの少人数（会員と講師など）から一緒に合わせて演奏する機会を作っていくことが有効だと考えます。また、自分が勉強している楽器以外の楽器とアンサンブルをして、その楽器の性質や特徴を知るのも大変良いことだと考えます。

自分のレベルでは多少難しいと思われる曲でも、演奏してみたい気持ちになりましたら積極的に挑戦していただきたいと思います。それによって練習する意欲が湧いてくると思いますし、多少困難があっても乗り越えようという気持ちになると思います。さらに、それが克服できたら達成感と自信につながり、更に高いレベルを目指していけるからです。

邦楽などの伝統音楽、洋楽でもバロック音楽やそれ以前の古楽器で演奏される音楽を学ぶためには、時代背景、どのような場所で、どのような時に、どのように演奏されていたかを研究する必要があると考えます。伝統音楽をレッスンに取り入れるためには、指導する側もこれらを学んだうえで伝えていかなければならないと思います。

独奏はアンサンブルとは違って、自分一人の音で聴く人の心に訴えかけることなので、多様な音色の変化やニュアンスや表情の変化がより必要になると思います。ですので、どのようにしたら表情豊かな演奏になるかを具体的に考えて説明する必要があると思います。弦楽器の場合は弓の速さや圧力、弦を押さえている左手のビブラートの速さや振幅などですね。

アンサンブルは、人と合わせる時、人のパートも聞かなければなりません。譜面を追うことに集中してしまうと自分の楽器の音も聞こえなくなることもあります。レッスンでは、まず、自分の出している音をちゃんと聞くように練習します。それができましたら、周りの音も聞く余裕ができるようになります。次のステップは、正確なテンポで演奏するためのリズム感のトレーニング、合図の出し方などです。

音楽には様々なジャンルがありますが、楽器で演奏するのは同工異曲です。新たなジャンルを始めるとき不安もあるかと思います。しかし、楽器を演奏する基礎的な部分は変わりません。それぞれのジャンルの譜面の読み方や理解の仕方、理論が異なるだけだと気楽にとらえてもらえれば良いです。慣れるまでは、一緒にゆっくり少しずつ進めていきます。

二胡の上手い人と下手な人の違いは、やはり音の質にあります。どれだけテクニックがあっても、音が綺麗でないと、二胡の良さが伝わりません。ひとつ上のレベルを目指すには、初心に戻って開放弦と音階を一つずつ丁寧に弾くことが大切です。何十年もやっているプロでも、常に更にいい音を求めて、日々行っているのが基礎練習です。

クラシックは、楽譜が読めるようになるとさらに楽しめるようになりますよ。楽譜に色を塗るなど、自身が幼少期に経験した過程を再現しながら、楽譜が読みやすくなるように工夫しています。生徒さんのなかには、レッスンを半年ほど受けたあと、オーケストラのオーディションを受けて、実際に活躍されている方もいらっしゃいます。楽譜が読めるようになると、アンサンブルなどができて楽しさも倍増です。

Jazzを楽しむためには、コードの理論を理解し、ベースラインを組めなくてはなりません。数学的で難しいところもあるのですが、まずは機械的にベースラインを押さえられるようレッスンしていきます。ベースラインを覚える過程では、会話のなかで楽しみながら理論も習得できるような工夫を。コントラバスはクラシックに限らずカントリー、Jazzなど幅広く使われているので、いろんな音楽を楽しめます。

私よりも演奏歴が長い生徒様や、プロとして演奏活動されている生徒様いらっしゃいます。セッション形式のレッスンのなかで、毎回、必ず何かひとつのことを会得していただくよう心がけています。初心者の方には、音楽をたくさん聴くことがおすすめ。カッコいいベースラインの曲を見つけてもらい、そこを目標にモチベーションを上げられるレッスンをしています。