横浜の

音痴矯正教室

初心者の方のほとんどは、自分の実力を低く評価しています。そのため、100％の実力を発揮するためのコツをお教えします。ライブに慣れてない方は、まず楽しむことを目的にしましょう。ステージに立ってライトを浴びて、お客さんに拍手をいただく喜びを体験してください。緊張してしまうのはやる気がある証拠です。緊張してうまくいかない方には、出番前に呟いていただく簡単な言霊を授けます。

どのような楽曲が心に残るかは人それぞれだと思いますが、複雑な楽曲よりも単純な楽曲のほうが心に残るかもしれません。その曲の意図をいかに汲み取り表現できるかが大切です。その曲の主人公になり、自分の思い出と重なり合わせて歌うのも良いでしょう。さほど難しくない歌い方もあるので、そこから覚えていっていただければと思います。

私は弾き語りはしないので詳しくはありませんが、歌う感覚を楽曲の演奏に活かす、楽器演奏の感覚を歌に活かす、そうすれば楽器と歌が一体になれるのではないかと考えています。もちろん歌と楽器を同時に演奏するので、それぞれの技術もある程度必要になります。お客様は歌をメインに聴いていると思うので 、楽器に気持ちがいきすぎないように、歌いながら演奏できると良いですね。

基礎練習はもちろん必要ですが、ライブに出てステージに立ってお客さんの前で歌う、音楽理論の勉強をするなど、感覚も知識も少しずつレベルアップをしていくことが大切だと思います。スタジオや自宅などで歌っているのとカラオケやライブのステージなど人前で歌うのでは、感覚的に大きな違いがあると思います。練習だけではなく経験値を上げていくことで、さらにレベルアップができるはずです。

まずはプロアーティストや自分が好きなアーティストの楽曲の歌詞をよく読んで、この曲が何を伝えようとしているのか、作詞家の意図を考えましょう。解釈は人それぞれなので自分なりの理解で良いと思います。そして、その言葉がどんなイメージのメロディーに乗っているのか、作曲家の意図を考えましょう。自分なりのイメージができたら、その思いを曲にしてみましょう。

まずは全パートを集めるのが大変かもしれません。仲間がそろわないときはキーボードまたはギターなど、コードを奏でる楽器の方を見つけて、とにかくステージに立ってみましょう。活動をしていれば仲間が増えます。その仲間の中から気が合う人と活動していけば、いつの間にか必要なメンバーがそろうはずです。大切なのは演奏したい音楽ジャンルやアーティストです。テーマをはっきりさせたうえでバンドを組みましょう。

Beginの『声のおまもりください』という曲を下北沢のライブハウスで聴いたとき涙が出ました。30年近く前のことです。アンコールで「もう一回歌って！」と叫んだら歌ってくれたんです。自分のために歌ってくれたような気がして心に刻まれました。それからは、どんな会場で歌う時も観客の誰かを選んで「この人に伝わるように歌ってみよう」と思いながら歌っています。その方が他の人にも不思議と伝わるんですよね。

自分の力が100だとすると、最初のうちは歌と楽器合わせて100になってしまいます。つまり、歌は下手になるし楽器は間違えるしってことです。それでも気にしない強い心が必要になります。いつでも自分の100%で人に喜んでもらうんだという気概でやるしかないです。ぜひ一緒にがんばりましょう。全力でサポートいたします。

アーティストになるための心構えをお伝えできればいいなと、常日頃思っています。音楽はプロかアマか本職か趣味かを問う前に、自分自身が演奏そのものや表現されるものにどれだけ向き合えるかが重要です。そして、紡ぎ出しているかという心意気の部分にこそ、大切な部分があると思います。そういう意味では誰だってアーティストになれるんですよ。

人とは違うものの見方、ちょっと変わってるなと思う（思われる）部分を流さずいかに言語化していくかが大切です。思いついたことがあれば、スマホのメモ帳にとりあえず入力しておくこと。そこからなんらかの形で誰かを励ましたり、勇気づけたりすることができればこの上ないですよね。生まれてきてから今までの経験で得られた経典のつもりで書き溜めましょう。

音楽をせーので人と合わせることは、心を重ねることと同義だと思います。現代は人と心を重ねるシーンがどんどん失われていっている時代です。せめて音楽ででも寄り添うことができたら心が潤いますよね。歌でも二人いれば合わせることができます。デュエットでも、ユニゾンでも。ぜひレッスンの中で一緒に楽しく歌いましょう。

幼稚園の頃にBilly Joelの「Honesty」がホテルのロビーでオルゴールで流れていて、子どもながらにその美しさに心打たれました。誰かの心に残したいというより、何かハートに触れたり、感情が揺れたり、気持ちが良くなったりする人がいればいいなと思います。歌うときは、歌の世界観を自分の経験や感情と繋げて歌います。

最初は簡単にコードを鳴らしながら歌うことから始めます。一人で演奏しながら気持ちを込めて歌っていくとテンポがズレやすいので、気を付けるなどポイントを押さえつつ、最終的に歌と楽器とバランス良くできるようにレッスンをしていきます。私は歌に気がいきがちなので、あらかじめピアノは簡単なコードにしてしまいます。

健康的な声で長く歌えるように、歌の幅が広がるように、歌の土台となる呼吸、姿勢、共鳴、発話のより深いトレーニングをしたり、歌のテクニックを学んだりしていただきます。どのように表現するか、気持ちを持っていくかも大切なので、感情表現のトレーニングなども行います。ステージでは目線や立ち位置など、ちょっとしたことで観客の印象が変わってしまうので、さらに上を目指す方にはその点もレッスンしていきます。

伝えたいことを言葉にしてみたい方は、おそらくご自身で歌詞や曲を書かれたことがあるのではないでしょうか。すでに歌詞があれば、まずはその歌詞を声に出して読むことから始めます。表現したいことを伺いながら、より伝わる言葉選び、メロディー、コードなどをご提案するなど、より伝わる歌い方や表現をレッスンしていきます。

バンドで歌うのは楽しいですが、そもそも声に合わないキーだったり楽曲をやってることがけっこうあるので、まずは自分の声に合う曲やジャンルを探すことから始めます。歌い手はフロントに立ってバンドを引っ張っていくことになるので、バンド内でのコミュニケーションの取り方やステージ上での見せ方なども学んでいきましょう！

ひとりの意見や感性だけでなく、他の人との関わりのなかからサウンドが生み出されてくるのが、バンドの良いところだと思います。人が集まれば、そのぶん、楽しさだけでなく、悲しさや悔しさといったネガティブな想いも共有することになります。バンドメンバーだけでなく観客を巻き込んで、みんなで一体感を味わえるので、ほかにはない充実感を得られます。これは、バンドをやってみないとわからないことです。

基本的には、原曲にいろいろな人がアレンジしたり即興を入れたりしていくのがJazzの楽しさのひとつになります。決まった枠にとらわれず、自由に楽しんだり表現できたりするので、自己実現にもつながるでしょう。ポップスの手軽さに比べると、難しいイメージをもたれる方が多いんですが、技術の高さよりむしろパフォーマーの個性がそのまま演奏に映し出されるので、やはり楽曲にどう向き合っていくか、というところが大切です。

人や楽曲に対して、誠意をもつことが大切だと思います。歌が上手いアーティストほど、例外なく人間性が立派です。周りの人への心遣いだったり、楽曲への向き合い方も「誠意」から生まれるものだと考えています。歌は抽象的なものなので、レベルアップのために必要なことをどうしたらより具体性をもたせて伝えられるか、そこは講師の腕の見せどころだと思って日々レッスンさせていただいています。