梅田の

プロボーカル教室

慣れないライブで緊張するのは当たり前です。その緊張に少しでも打ち勝つために歌唱予定の曲の歌詞を紙に起こし、さらにそこに歌唱時のポイントを書き記すことで「これだけ努力したのだから大丈夫！」と自信をつけてライブに臨んでもらいます。また、鏡を目の前に置いて、鏡の中の自分から目を離さずに１曲歌い切るなども行います。実際に舞台に立つと多くの視線を浴びることになるのでその対策です。

正しい音程で正しいリズムで歌えれば歌えるほど、聴き手の心に残りやすい歌になります。そのための基礎練習を毎回のレッスンで取り入れていきます。また、より心に残るメロディーを奏でるために、声の響かせ方を習得できるようレッスンをします。声の響かせ方がわかるとリラックスした状態で歌えるため、聴き手の心に歌声を届けることができます。

まずは楽器だけ演奏、歌だけ練習など、分けて練習するのも練習方法の一つですが、個人的には弾き歌いは弾き歌いならではの脳の使い方があるように感じているので、楽器と歌を並行してレッスンします。そうすることで楽器と歌、各々が支え合うような音作りができ、弾き歌いの強みを最大限に活かせるためです。最初は我慢強さが必要ですが、コード弾きなどに慣れると弾き歌いが楽しくなること間違いなしです。

声の響きに特化してレッスンします。どんな楽器でもプロとアマチュアの演奏を聴いて違うなと感じる部分は、音の響きです。楽器にはそれぞれに特有の音の響き方がありますが、歌声では響きを磨いて習得することができます。それは"あなた"という楽器を磨いていくことであり、歌声の個性を最大限に活かす方法でもあります。

頭の中の言葉を記したり、声に出したりするのは難しいもの。まずは言葉を頭の中から外に出すことに慣れるため、メモを取ることから始めましょう。私も歌詞を作るときはノートにひたすら言葉を書き連ね、エンジンがかかってから歌詞として素直な気持ちを書き起こします。文章として成立していないようにみえても、メロディーを乗せれば成立するのが音楽、歌の持ち味です。深く考えずに言葉を引き出せるまで一緒がんばりましょう。

ボーカルはバンドの顔になる存在なので、「バンドを始めてみたいけれど自分が顔になるのはハードルが高い」と感じることがあるかもしれません。ですが、バンドの歌を歌いたい、バンドが大好きという気持ちの強さが、まずはバンドを始めるためには必要なことだと考えています。バンド愛をより高めていけるように、熱を込めた歌唱指導を進めていきます。

プロのオペラ歌手として、20年活動している実績を活かして、レベルアップのお手伝いをします。

1番好きな衣装を着て、観衆に見ていただく気持ちよさを伝えます。プラスの思考に持っていくため、あおるような発言もします。人前で緊張する立ち方としない立ち方、膝の緩め方、呼吸のタイミングなどを伝え、その立ち方で発表曲のレッスンをします。会員様が気に入られてる曲で歌える場合は歌ってもらい、歌えない場合は一緒短いフレーズを部分練習して、だんだんと長いフレーズに持っていき、全曲歌えるようにします。

心に残るメロディはたくさんありすぎて今すぐには思いつきませんが、誰かの心に残るように歌うためには自分に酔いすぎないことが1番重要です。そのためには、息の量、声量などを計算しつつ、届いた人の心に残るように声色の変化、文節、文脈の練習をしましょう。そのような感性を、少しずつ会員様の中に落とし込んでいくレッスンを大切にしています。

ピアノと歌をいきなり同時にレッスンはしません。曲を歌えるか、弾けるか、どちらか得意な方からレッスンします。7割から8割程度完全な状態にしてから、次の弾くなり歌うなりの作業に入ります。声の表裏のタイミングや音程、リズムの都合などで歌いにくい箇所は一緒に何度も歌い、声まわし、ピッチの違いを模範演奏をしながら伝えます。コードや伴奏を左手だけで入れても歌えるくらい音程が安定したら、右手を追加します。

発声においても時間をかけ、呼吸の深さ、タイミングの説明を加えながら、身体の関節の使い方などを基礎からしっかり説明します。深く吸えてきたら、声帯が怪我することないような発声のメカニズムについても詳しくも説明します。オペラの方には古典的なベルカント唱法についても詳しく説明し、その説明をイメージさせながら、ハミングから発声に至るまで、声色の発達、違いを体感しながら一緒に発声していきます。

曲の流れを止めない息継ぎ、息の保持、ピッチなど、細かく指導します。ノンブレスで長いフレーズを歌いきらなければならない曲もあるので、後半になって身体の疲労によるブレスの浅さを改善するために、しんどい息遣いの場所を反復練習します。そこが楽になってきたら前後をプラスして長いフレーズで練習し、その作業後に全曲の練習。短く切ったフレーズで、音程、リズム、息の通りをしっかり確認し、全曲の反復練習に入ります。

オープンマインドが苦手だと、自分の気持ちを言葉に載せるときに照れや抵抗があって人前で話せないそうです。その場合、本を一冊もってきてもらい、文章の一文を自分の言葉、イントネーションに置き換え、役者になったイメージで暗号として話すように伝えます。言葉には自分の気持ちを載せなくても話せるんだという意識をもってもらい、話すことに自信つけてもらいます。

ヴォーカルはバンドメンバーのなかでいえば、フロントに立ってみんなを引っ張っていく役割があります。ただひとりで突っ走ってしまっては誰もついていきません。歌を通して、音色やリズムなどで会話することで、バンド全体の統一感が生まれます。ギターとヴォーカルがステージ上で派手に動き回るなんていうパフォーマンスができるのも、信頼できるドラムやベースといった仲間がいるからこそ。

Jazzは、自己表現をしやすいジャンルです。独特のリズムをもっているので、それを習得できるとよいですね。コードの知識や理論も必須ではありますが、まずは楽しむところから。スローな曲からアップテンポな曲まで、クールな曲から感情をこめた曲まで、さまざまな曲が存在しています。生徒様のお好みの曲をすんなり演奏できるまで、レッスンでフォローアップします。

ヴォーカルの講師選びは、自分の目指すジャンルのプロを選ぶことが重要です。例えば、クラシックとロックでは指導方法がまるで違います。歌には2つのポイントがあります。ひとつは基礎的なテクニック。音程の矯正や呼吸方法、発声方法は必要不可欠ですので、ここをまずスキルアップしましょう。次に表現力。ライブでのパフォーマンスは人の心を動かします。ワンランク上の魅せる力をつけていきましょう。

パッハルベルのカノンはとても素晴らしい曲だと思います。書かれてから400年経っていますが、メロディも構成もコード進行も素晴らしく、カノンを超える曲を書くのはなかなか難しいと思いますが、私のオリジナル「ハニワの里」はカノンリスペクトで作られており、誰もがすぐに覚えられるメロディラインです。素晴らしいメロディはテクニカルなことを考える必要もなく、その通りに起伏をつけて歌えばよいと思います。

好きな曲からはじめてみましょう。歌詞もコードも簡単で、すぐに弾けるもの、すぐに歌えるものがよいと思います。私自身は小学生のころから弾き語りをしており、この技術をどうマスターしたのか実はまったく覚えていません。当時はテレビの歌番組で見るピアノ弾き語りストの演奏を参考にしていました。海外ではビリージョエル、エルトンジョン、フレディマーキュリー。日本では矢野顕子さん、八神純子さん、飯島真理さんなど。

同じレベルの曲をしないように、選曲にバラエティがあること。それから、やみくもに弾くのではなく頭で理解してから弾くことです。歌も同様です。それから、音楽はイメージを持つことがとても重要です。うまく弾いている自分を思い描くこと。心の中で歌姫やロックスターになった自分を思い描けばよい。それは心の中だけでよいのに、皆さんとても不自由にされていると思います。自由に想像できる心を持ってほしいです。

バンドでよく演奏する有名曲を選曲します。最初に選ぶ曲は歌詞もコードも覚えやすく、演奏も歌も技術的に難しくないものを選びます。レッスンでの譜読みや歌唱ポイントは、なるべくお手持ちのスマホで動画を撮っていただきおうちで復習できるように。動画と一緒に練習できるように撮り方や音の配列、リズムなどを工夫した動画を撮っていただいています。

簡単なポップス理論からスタートし、作詞、作曲法を伝授します。作曲や作詞では「このように書く」というフォーマットを知ること大事です。知識があるのとないのでは曲の仕上がりが変わります。パッハルベルのカノンは素晴らしい曲です。400年も人々の心を掴むだけではなく、ポップス音楽の基礎となった曲です。伝えたいことを言葉にするには音楽の流れの中にどのように載せるのか、仕組みを知る必要があります。