川崎の

ボーカル教室

会員様に合うジャンル、楽曲キー、カバーするアーティストのご提案をします。初ライブを成功させたいという気持ちが強く、失敗したくないと考えると思いますが、まずは「自分が楽しめること」が重要。みんな「伸びやかに楽しく歌う演者」を観に来ています。小さな失敗もお客様から見れば数秒にすぎず、気にしてないことが多いです。堂々と手振り素振りを自由にしながら、ガイドを見て練習していきましょう！

発声の種類の使い分け、ボリューム抑揚、声を置く位置＝VP（ボイスポジション）＝アンザッツなどが歌唱のバリエーションに繋がり、歌詞をより際立てて感動を呼び込みます。個人的にはTamiaの「So Into You」やSWV「Rain」のRnBらしい綺麗なメロディーラインが好きです。英詞訳は深く理解するのが難しいのですが、風景や想いが伝わります。「風景の見えるボイストーン＋メロディーライン」を感じます。

私もライブで場数を踏みながら感覚を磨きましたが、弾き語りは凄く難しい技術です。ボーカルのマイキング、ギターのピッキングニュアンス、セクションの運び方、抑揚を意識しながら歌う必要があります。まずはギター指板、鍵盤を見ずにハミング（鼻歌）でサビやAメロだけでも歌えるように、楽器の練習を積みましょう。イメージは歌６割：楽器４割。壁を見ながら弾き語り練習をすることをおすすめします。

今よりも音域を広げていくには、CT＝輪状甲状筋（裏声筋肉）を鍛えていき、厚みのある声を出していくには、TA＝甲状披裂筋（地声筋肉）を鍛え育てていく必要があります。バランス良く発声しながらゆっくりと綺麗な声を手に入れましょう。抑揚はガイドを作って歌っていきますので、まずはガイドを見ながら身体に覚えさせていきましょう。

「自分が何に向き、何が好きなのか」を考えると、音楽を通して伝えたいこと、言葉にしたいことが見えます！私は音楽を始めた頃「自分の娯楽」と考えていたため、周りとの熱量や成長の差を感じ、何度も音楽から離れようと思いました。ですが、練習続けて音楽に触れていると「音楽」がより楽しく感じられ、伝えたい言葉が鮮明に見え、周りに少しづつ還元できるように。視野を広く持ち、日々のインプットをやめずないことが大切です。

実は私も15歳から今まで、作詞作曲をし、弾き語りやバンド活動をしていました！ソングライティングの楽しさ、セッションのうれしさ、ライブ活動のおもしろさを会員様にも体感いただけたらうれしいです。EYS音楽教室を通し、音楽がまた会員様の生活の一部ではなく、欠かせない大きな幸せに変わっていくことを願い、背中を押せるようにバックアップしていきます！

まずはどんなに演奏に自信がなくても、堂々とステージ立つことが大切だと伝えます。簡単なコードから教えて、姿勢が丸まらないよう自信を持って演奏するようにも伝えます。また、人と合わせるときに決まったリズムが崩れてしまうと成り立たなくなってしまうので、クリック練習などをしっかりとやっていきます。一緒にがんばりましょう。

まずは好きな曲に挑戦してみることから始めます。そして、繰り返しリズムとコードの切り替え練習をします。曲の伝えたいことを一番示してくれるのが歌詞になるので、歌うときは歌詞の意味を理解して、表現することを気をつけています。息の量、声の張り方口の形、喉の開け方、息遣いなどでかなり変わるので、それらを常に意識するようにしています。

ギターのパワーコードについてしっかりポジションや使い方の説明をし、ギターの音作り、アンプについても説明をしていきます。歌い方についても、歌だけと弾き語りとでは少し変わってくるので、力強く周りの音に負けないしっかり歌詞が伝わる歌い方を教えます。最初はむずかしく感じるかもしれませんが、きっとできるようになるのでチャレンジしてみてください。

音の出し方を今よりもっと細かく説明します。ストロークだけで練習してたのをアルペジオの練習もするなど、弾き方の幅が広がるようレッスンします。ヴォーカルに関しては、息遣いやビブラート、表現の仕方などを取り入れて、さらに上のレベルを目指せるレッスンを行っていきたいですね。ぜひ一緒に楽しみながら上達を目指しましょう。

オリジナル曲を確認し、さらに合うコードや挑戦できそうな歌い方を提案してみます。たとえば、サビだけでも実際にギターと歌それぞれを撮ってみると良いでしょう。また、録音したものを自分で聴くことで、さらに課題が見えてくると思うので、1時間のうちにやってみます。そのうえで改善点があればしっかりとお伝えします。

ガレージバンドなどで手軽に作成できることを伝えます。実際に簡単に録音をしてみても良いですし、そうではなくしっかり繋いで撮りたいなどが希望であれば、必要な機材の説明、撮る際の注意点を含めてお話します。会員様ご自身が撮ったものを聴いてもらい、より宅録を具体化していきたいと思っています。ぜひ挑戦してみましょう。

初めてステージに立った感覚は一生忘れられないものです。未だに緊張はしますが、初めてはとんでもないくらい緊張しました。ただ、それ以上に人前で歌う、ステージに立つあの感覚が忘れられないから、今も僕はステージに立ち続けています。自分のために歌うのではなく、「届ける」を実感できる、そして自分の知らない自分に会いに行く感覚でしたね。それがあるからこそ、ライブといわれるのではないかと思っています。

美空ひばりさんの「愛燦燦」です。日本語の美しさを見事に「愛燦燦」という音で体現していて、すごく心に残っています。誰かの心に残るメロディを歌うには、対話だと思って歌うことが大切です。会話をしていても感情込めて放つ言葉とそうでない言葉じゃ明らかにわかるかと思います。歌も一緒で、感情表現がメロディの輪郭を表す、つまり誰かに語りかけることで心に残るメロディになるのではないかと思います。

楽器と歌を同時になんて「難しい！」と思いますよね。僕も最初は弾きながら歌うのが大変でした。僕は楽器から練習を開始します。歌いたい楽曲のコードを覚えるところからスタートして、コードや譜面を見ないでもコード弾きができるようになれば、あとは歌うだけ！順序立ててレッスンするのでご安心ください。慣れてきたら、歌詞の上にコードを書いてもらうようにしています。

チャレンジしていくうちに、歌えるようになっていく楽曲がどんどん増えていくと思います。そのできるようになったを止めない、そして新しいできたを実感してもらえるために技術（フェイク、ビブラート、ロングトーン、がなりなど）を基礎に紐付けて、習得してもらいます。そのうえで歌に色をつけていくレッスンをしていきます。

まずは歌いたい楽曲の歌詞の意図を理解することが大切です。「人はなぜ歌を歌うのか？」という問いに、いつも僕は「人の気持ちは100%理解することはできない、だからその代弁として楽曲があり、人は歌を歌う」と答えています。つまり心で伝えたいことを言葉にする手段として、歌は選ばれてきのです。楽曲の歌詞の意図を理解すれば、自分の言葉、形、声で、すべてを伝えられると思っています。

バックバンドをつけて初めてステージに立ったのはzeppの舞台でした。2,000人近くいる前で歌う態勢のリハーサルは初めて。返ってくる音も圧も空気も、音源で歌うのとはまったく違うものでした。生音でしか感じることのできない感動や気持ちよさは計り知れないものです。ヴォーカルにはバンドを引っ張っていくプレッシャーがありますが、場を回している感覚や、主役感など、音楽としての至高もあります。

カラオケで歌を歌う場合は、伴奏に合わせることになりますが、生バンドをバックに歌う場合はまた違った楽しさがあります。生演奏で歌う機会はなかなかないことですし、楽しみのひとつとしてとても良いと思います。ただ、「歌」にトラウマをもっておられるかたには、あまりおすすめできません。その場合は、まずはトラウマを取り払うお手伝いをさせていただき、それからステージでの演奏をゆっくり検討していくと良いでしょう。

ひとりの意見や感性だけでなく、他の人との関わりのなかからサウンドが生み出されてくるのが、バンドの良いところだと思います。人が集まれば、そのぶん、楽しさだけでなく、悲しさや悔しさといったネガティブな想いも共有することになります。バンドメンバーだけでなく観客を巻き込んで、みんなで一体感を味わえるので、ほかにはない充実感を得られます。これは、バンドをやってみないとわからないことです。

基本的には、原曲にいろいろな人がアレンジしたり即興を入れたりしていくのがJazzの楽しさのひとつになります。決まった枠にとらわれず、自由に楽しんだり表現できたりするので、自己実現にもつながるでしょう。ポップスの手軽さに比べると、難しいイメージをもたれる方が多いんですが、技術の高さよりむしろパフォーマーの個性がそのまま演奏に映し出されるので、やはり楽曲にどう向き合っていくか、というところが大切です。

人や楽曲に対して、誠意をもつことが大切だと思います。歌が上手いアーティストほど、例外なく人間性が立派です。周りの人への心遣いだったり、楽曲への向き合い方も「誠意」から生まれるものだと考えています。歌は抽象的なものなので、レベルアップのために必要なことをどうしたらより具体性をもたせて伝えられるか、そこは講師の腕の見せどころだと思って日々レッスンさせていただいています。

鏡のある教室では鏡に向かいながら、身振り手振りを入れたり身体でリズムを取ったりして、歌うようなレッスンをしています。観客のことを想像しながら歌うのって、とても大事なことなんです。歌に魂が宿ります。ぜひ試してみてください。何か不安なことがありましたら、いつでも気軽におっしゃってくださいね。一緒に解決の道を探しましょう。

Beginの『声のおまもりください』という曲を下北沢のライブハウスで聴いたとき涙が出ました。30年近く前のことです。アンコールで「もう一回歌って！」と叫んだら歌ってくれたんです。自分のために歌ってくれたような気がして心に刻まれました。それからは、どんな会場で歌う時も観客の誰かを選んで「この人に伝わるように歌ってみよう」と思いながら歌っています。その方が他の人にも不思議と伝わるんですよね。

自分の力が100だとすると、最初のうちは歌と楽器合わせて100になってしまいます。つまり、歌は下手になるし楽器は間違えるしってことです。それでも気にしない強い心が必要になります。いつでも自分の100%で人に喜んでもらうんだという気概でやるしかないです。ぜひ一緒にがんばりましょう。全力でサポートいたします。

アーティストになるための心構えをお伝えできればいいなと、常日頃思っています。音楽はプロかアマか本職か趣味かを問う前に、自分自身が演奏そのものや表現されるものにどれだけ向き合えるかが重要です。そして、紡ぎ出しているかという心意気の部分にこそ、大切な部分があると思います。そういう意味では誰だってアーティストになれるんですよ。

人とは違うものの見方、ちょっと変わってるなと思う（思われる）部分を流さずいかに言語化していくかが大切です。思いついたことがあれば、スマホのメモ帳にとりあえず入力しておくこと。そこからなんらかの形で誰かを励ましたり、勇気づけたりすることができればこの上ないですよね。生まれてきてから今までの経験で得られた経典のつもりで書き溜めましょう。

音楽をせーので人と合わせることは、心を重ねることと同義だと思います。現代は人と心を重ねるシーンがどんどん失われていっている時代です。せめて音楽ででも寄り添うことができたら心が潤いますよね。歌でも二人いれば合わせることができます。デュエットでも、ユニゾンでも。ぜひレッスンの中で一緒に楽しく歌いましょう。